El artista y su obra

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Históricamente, los artistas se hacen famosos por su estilo único o por el carácter que desprenden al mundo del arte. A partir de la época del Renacimiento, el arte se transformó, elevó su valor y produjo un respeto de la sociedad que no existía en el pasado. Los maestros del arte se dieron a conocer en todo el mundo y sus obras se estudiaron durante y después de su vida. Tras el Renacimiento, se produjeron innovaciones y diversas escuelas de pensamiento, y los artistas y sus obras se distinguieron en todas las épocas desde entonces. Para conocer los mejores cuadros de todos los tiempos, vea los cuadros más famosos.

El artista y su poema artístico

El tema, la forma y el contenido siempre han sido los tres componentes básicos de una obra de arte, y están unidos de forma inseparable. En general, el tema puede considerarse como el “qué” (el tema, el enfoque o la imagen); la forma, como el “cómo” (el desarrollo de la obra, la composición o la fundamentación); y el contenido, como el “por qué” (la intención del artista, la comunicación o el significado de la obra).

El tema del arte visual puede ser una persona, un objeto, un tema o una idea. Aunque hay muchas y variadas formas de presentar el tema, éste sólo es importante en la medida en que el artista esté motivado por él.

En el tipo más extremo de abstracción, el tema no se refiere a ningún objeto físico, por lo que esta imagen no representativa se considera no objetiva. En este caso, el sujeto puede ser difícil de identificar para el observador, ya que se basa únicamente en los elementos del arte y no en personas u objetos de la vida real. Este tipo de tema suele remitir a la idea del artista sobre la energía y el movimiento, que guía el uso de las materias primas, y se comunica con quienes saben leer el lenguaje de la forma.

El artista y su análisis del poema artístico

Siempre que reproduzcas la imagen debes atribuir a los creadores originales (reconocer al artista o artistas originales y a la persona/organización que tomó la fotografía de la obra) y a cualquier otro titular de derechos.

Expuesto en el Salón de París de 1850-1851. Las figuras llevan trajes de mediados del siglo XVIII, aunque varios de los cuadros de la pared del fondo son del propio Meissonier (incluido un autorretrato sobre la cabeza del visitante), y el escenario fue identificado por un contemporáneo como el estudio del artista en París, en el quai Bourbon.

Obras maestras inéditas de bruegel

La apropiación se refiere al acto de tomar prestados o reutilizar elementos existentes en una obra nueva. Los artistas posmodernos de la apropiación, como Barbara Kruger, están dispuestos a negar la noción de “originalidad”.2 Creen que al tomar prestadas imágenes o elementos de imágenes existentes, están recontextualizando o apropiándose de las imágenes originales, permitiendo al espectador renegociar el significado del original en un contexto diferente, más relevante o más actual.

“Me interesa acoplar la congraciación del deseo con la criticidad del conocimiento. Utilizar el dispositivo para que la gente se fije en la imagen, y luego desplazar el significado convencional que suele tener una imagen con tal vez una serie de lecturas diferentes”. Barbara Kruger, 1987.1

Al separar las imágenes del contexto original de sus propios medios, permitimos que adquieran nuevos y variados significados. El proceso y la naturaleza de la apropiación han sido considerados por los antropólogos como parte del estudio del cambio cultural y el contacto transcultural.3